Fidel Gómez: “El arte tiende puentes de entendimiento”

por María Magdalena Ziegler

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Cuando se trabaja con y para el arte, se trabaja también para la vida. Fidel Gómez tiene esto como norte y así lo exuda su blog: Arte para la Vida. Este venezolano emprendedor decidió en 2008 darle sentido a la creación, la innovación, la formación y la generación de proyectos artísticos. Hoy está dedicado plenamente a ello y su energía positiva contagia a cuantos lo conocen.

Conocer su pensamiento y sus ideas es un gusto que no quise perderme. Le entreviste desde la distancia y la cercanía no se hizo esperar. Aquí está Fidel Gómez para ustedes.

MMZ: En un mundo globalizado como el nuestro, ¿crees que las artes podrían jugar un papel en favor del entendimiento entre culturas?

FG: Sin lugar a dudas, el arte tiende puentes de entendimiento, y en los tiempos que nos tocó vivir, la cultura ya no se percibe como algo aislado, sin menosprecio de las características propias de cada región, de cada pueblo. Pero ya cuando vemos que la velocidad en las comunicaciones es un hecho consolidado, que ha eliminado todo tipo de barreras, y hablo de barreras reales, donde en una reunión por Skype pueden estar al mismo tiempo personas de todas las latitudes, América del sur y América del norte, Europa, Asia, Australia, África y el medio oriente, para poner un ejemplo. Estamos ante un fenómeno más que impresionante, lo que pasa es que por la frecuencia del uso nos parece normal y cotidiano, pero es algo extraordinario, de hecho impensable hace apenas 20 años.

Lo mismo ha pasado con el arte, las barreras se han disuelto, y las nuevas tecnologías digitales han permitido que el arte penetre sin restricciones geográficas. Esto nos dice mucho del poder intrínseco que el arte tiene como gran comunicador cultural. Si hablamos del arte como una manifestación de la cultura, ya no podemos hablar de un arte aislado, circunscrito a una región o país únicamente, en estos tiempos globalizados como mencionas, la cultura y el arte se deben entender como fenómenos trans históricos, de carácter universal, se trata de una exigencia propia de la contemporaneidad.

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MMZ: Ante situaciones límite (políticas, sociales, económicas, etc.), ¿la sociedad debe exigir algo a los artistas?

Los artistas históricamente siempre han dado respuestas a todo tipo de situaciones, tanto sociales, como políticas, filosóficas y económicas. La pregunta más bien debería ser ¿la sociedad ve y aprecia esas respuestas? ¿Acaso podemos entender movimientos como el cubismo y el futurismo, sin vincularlos con las nuevas teorías físicas y la nueva sociedad industrial de su momento?

Una cosa son las respuestas desde el arte como tal, y otra es pretender que el arte sea un panfleto de ciertas ideas, acontecidas en ciertos momentos de la historia. Para muestra el realismo socialista soviético y el arte nazi, modelos artísticos que pretenden emular ideas meramente políticas, usando el arte como un panfleto. Pero la función del arte en la sociedad, principalmente debe ser mantener su independencia, su libertad, y desde esa libertad dar lo mejor de sí para el desarrollo de la humanidad.

En este tema de la responsabilidad social del artista, pienso en los niveles educativos de las sociedades, porque en sí es un asunto de educación. En la medida en que se elevan los estándares educativos, los niveles de acercamiento y conocimiento del arte lógicamente se incrementarán, y esto creará una valoración de la labor artística y de los artistas.

MMZ: ¿Consideras que el arte aún tiene una función social o los artistas deben tener mayor libertad para crear fuera de cualquier responsabilidad?

FG: El sólo hecho de nacer en una sociedad, de vivir en ella y de realizar todo tipo de actividades imbuido en la sociedad, todo esto en sí habla de los vínculos del artista con la sociedad. La única responsabilidad de un artista es hacer su obra, es mantener los mejores estándares de calidad y dejar muy en alto el arte, como manifestación de la inteligencia, de la creatividad y de la sensibilidad humana. Esto es el deber ser, más sabemos bien que no es lo que acontece muchas veces, por diversas razones, sociales, económicas, políticas, etc.

El cultivo de la creatividad como actividad artística requiere de mucha dedicación, de mucho tiempo, de las condiciones apropiadas para que este proceso fluya y de resultados maravillosos. Yo te pregunto ¿en qué sociedad se dan estas condiciones? o es el artista el que debe luchar para generar estas condiciones, y de aquellos que lo intentan ¿cuantos lo logran? y si lo logran ¿qué resultados obtienen?

En la medida que las sociedades entiendan que ser artista es una responsabilidad como tal, es un trabajo, como diría un amigo mejicano, “ser artista es una chamba”. Sólo en esa medida se podrá comprender, por un lado el papel del artista en la sociedad como un dinamo de transformación creativa, y por el otro lado se propiciarán esas condiciones que mencioné, y cuando eso pasa, ¿quién sino la sociedad será el gran beneficiario? Por otro lado no debemos perder de vista la encomiable labor educativa de muchos artistas, quienes durante sus vidas comparten la creación de sus obras con la labor docente. Este hecho también nos revela esa responsabilidad del artista con su sociedad.

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MMZ: En el mundo del arte, ¿da lo mismo hoy ser moderno que ser contemporáneo?

FG: Se trata de categorías, lo veo como etiquetas, pero desde el punto de vista histórico, todo transcurre en la contemporaneidad, por lo que tratar de ser moderno hoy en día, más bien se considera un acto postmoderno; incluso para muchos expertos y estudiosos de la historia, nuestra época está más allá de la postmodernidad, estamos viviendo en la transmodernidad, cuyas principales características son la disolución de las barreras geográficas, lo global, lo universal.

Hoy en día encontramos a un artista colombiano, residenciado en Singapur, pero que sus principales espacios expositivos, bien sean públicos o privados están en Europa y el medio oriente, y si le preguntamos ¿oye te consideras moderno o contemporáneo? ¿qué diría? seguramente la definición de contemporáneo se ajustaría a él mucho mejor que la de moderno.

MMZ: Debido a tu experiencia trabajando con proyectos artísticos, ¿podrías decirnos cuál es la mayor dificultad con la que se topan la mayoría de estos?

FG: Cada proyecto es un mundo muy particular, pero pienso que el tema del financiamiento es crucial. Y en este punto me quiero detener a reflexionar sobre algo que he visto durante mucho tiempo. La gran mayoría de los artistas que desarrollan proyectos artísticos piensan que los fondos vendrán del cielo, y se trata de un asunto de educación financiera, sobre todo en Latinoamérica, donde he sido testigo y partícipe. Cuando hablo de educación financiera me refiero al conocimiento de temas de dinero, si de dinero, así como suena. ¿O es que los financiamientos los dan en especies? no los dan en metálico. Pero no solamente tienen que provenir de fuentes estatales y gubernamentales, hay muchas empresas interesadas en propiciar la cultura, en apoyar por medio de alianzas las actividades artísticas.

Todos los museos en los países desarrollados, se mantienen por las alianzas con las empresas privadas, ya que es el sector empresarial el que tiene el músculo financiero para apoyarlos. Pienso que debe haber una apertura mental de parte de los artistas y sus proyectos, hacia las fuentes reales de dinero, esto implica un nivel de compromiso, que muchas veces los artistas no están dispuestos a asumir, porque por otro lado piensan que se merecen todo sin dar nada, lo cual es otro error.

Se trata de aprender a usar herramientas muy útiles en estos tiempos, más allá de la elaboración del proyecto como tal. Me refiero a saber vender el proyecto y saber gestionarlo, porque sino se sabe de estas cosas, de marketing y de ventas, se corre el riesgo de que un hermoso proyecto, o un proyecto genial quede archivado en el olvido por una mala gestión.

Los tiempos han cambiado mucho, en una entrevista que le hice a Marta Tabernero, la CEO de Mecenas 2.0, ella me comentó algo muy revelador, que cada vez más son los artistas los que abren sus propios espacios, sus propias galerías, y es un fenómeno no sólo en España, es algo que está pasando hace un tiempo a nivel mundial.

Lo mismo  aplica con los proyectos artísticos, el viejo esquema del financiamiento público ya murió, o está casi extinto, las alianzas con la empresa privada son vitales en estos tiempos.  

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Joaquín Torres García, “Grafismo infinito”, 1937

MMZ: Mucho se dice de la importante presencia del arte latinoamericano en los mejores museos y galerías del mundo, pero ¿es realmente influyente el arte latinoamericano?

Recientemente La Colección Patricia Phelps de Cisneros, hizo una donación muy importante a varios museos en España. Para los más escépticos se trató de un acto de despojo de algo que les pesaba, pero no lo veo así, ya que muchos artistas latinoamericanos recibieron la oportunidad de estar en las colecciones de importantes museos europeos, lo cual no es nada fácil, dados los filtros que existen para entrar allí.

Más allá de este anécdota, si pienso que hay una presencia importante de artistas latinoamericanos en los principales museos y galerías del mundo. Y es cuestión de investigar un poco para constatarlo. No se trata de percepciones, sino de hechos, nombres de artistas como Joaquín Torres García, Jesús Soto, Carlos Cruz Diez, Fernando Botero, Gego, Siqueiros, Wilfredo Lam, Armando Reverón, Diego Rivera, Frida Kalho, Guayasamín, Tarsila Do amaral, Neto, Kosice, Hernández Diez y tantos otros nombres, son artistas latinoamericanos con presencia mundial.

Wifredo Lam

Wifredo Lam, S/T, S/F.

La labor tan importante de museos como el MOMA, en reconocimiento del arte latinoamericano, sobre todo durante la gestión del curador y crítico venezolano Pérez Oramas, donde éste logró exposiciones inéditas hasta ese momento, como la de Armando Reverón, Torres García y Gego, por sólo mencionar las más representativas, también quedaron agendadas otras como la de Tarsila Do amaral. Se trata de acciones concretas tomadas desde los centros de poder, en beneficio del arte latinoamericano.

Ahora hay un aspecto fundamental, y está conectado con lo que mencioné cuando te dije de la importancia de las condiciones para la creación artísticas. La historia ha demostrado, que los artistas tienden a moverse hacia donde esas condiciones son más propicias, de allí que en la época moderna y hasta los años 80 los principales centros del arte están localizados en grandes ciudades como París y Nueva York, porque son también grandes centros de poder económico y cultural, donde los artistas pueden ver realizados sus sueños más preciados.

Esta condición es diferente ahora, ya que la presencia física en estos u otros lugares no se hace imprescindible, sin hablar de las facilidades de desplazamientos a nivel mundial, brindado por las comunicaciones en tiempo real.

La presencia del arte latinoamericano a nivel mundial es real, pero pienso que pudiese ser mayor, y aquí entra a jugar un papel fundamental el papel de los países y sus estados, mientras mejor proyección hacen los países de sus artistas, mayor penetración habrá, y en este particular los países latinoamericanos en general son muy poco agresivos, en cuanto a la presentación internacional de sus artistas y baluartes culturales.

Pensemos en dos ejemplos de esto que te digo, y no me refiero a lo que se pudiese lograr a nivel de las embajadas, pero si son políticas de los estados en materia cultural. El primer ejemplo es la Alianza Francesa y el segundo el Centro Goethe, ¿conoces alguna ciudad del mundo donde no estés presentes? Culturalmente ¿qué hay detrás de estas instituciones? son embajadores culturales de sus países, así de sencillo, y trabajan en todas las áreas de la cultura: arte, idiomas, literatura, educación, espacios expositivos, bibliotecas, etc. Saben vincularse con las comunidades locales desde sus propios objetivos que repito es ser los embajadores culturales de Francia y Alemania. Imaginemos por un momento que esa misma fórmula fuese aplicada por todos los países latinoamericanos, ¿cuál sería el resultado? la respuesta la sugirió Torres García hace unos cuantos años: el norte sería el sur.

MMZ: ¿Cuál ha sido para ti el artista plástico venezolano más influyente fuera de Venezuela? ¿Por qué?

FG: Realmente son dos artistas, me refiero a los maestros Jesús Soto y Carlos Cruz Diez. Son los únicos artistas venezolanos que han alcanzado la categoría de artistas universales, lo cual a sido corroborado por muchos expertos, entre críticos e historiadores del arte, sin mencionar la presencia de estos en muchas publicaciones, museos, galerías y eventos internacionales. Ellos marcaron un antes y un después en el arte de su tiempo, y todavía siguen aportando mucho al arte actual. Sus discursos están aún hoy en día más vigentes que nunca. De hecho considero que estos artistas dejaron abierta una brecha en el arte aún inexplorada, virgen, esperando ser desarrollada.

Recientemente leí una entrevista que le hicieran al maestro Cruz Diez, donde este afirma que siente que la generación actual si entiende y disfruta de su obra, algo que no sentía en los años 60 o 70. Estamos hablando de que después de casi 50 años es que el siente y percibe que su discurso artístico se entiende, eso les da a las generaciones actuales la responsabilidad de profundizar en esas aguas.

Se trata de artistas que están a la talla de otros grandes artista de su tiempo, como Fontana, Klein, Tinguely, Schoeffer, Agam, Vasarely, y muchos otros, quienes compartieron con ellos y reconocieron sus obras. Nunca antes en la historia del arte contemporáneo dos artistas venezolanos habían entrado allí con sus investigaciones, por la profundidad de sus propuestas, por la calidad de los resultados en sus procesos creativos.

Estos dos grandes maestros tienen algo en común, para ambos el arte es un acontecimiento, más allá de ser un objeto, sin la participación del espectador no hay obra así de sencillo, este es en mi entendimiento uno de sus principales aportes. El arte como experiencia, el arte como energía viva del universo.

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MMZ: La tecnología al servicio de los artísticas también ha sido de tu interés. Las redes sociales, sobre todo, podrían ser un aliado fundamental para cualquier artistas, pero es un arma de doble filo. ¿Hay alguna clave para no cruzar la línea de los excesos?

FG: Las redes sociales son un medio, no un fin en sí mismo, correr el riesgo de pensar que desde las redes sociales se pueden generar cosas importantes es muy peligroso. Las cosas verdaderamente importantes a nivel de contenidos, se dan desde los sitios web, desde los blogs profesionales, las redes sociales ayudan a que esos contenidos se difundan, porque debemos tener claro que la gente, el tráfico como se define en el marketing digital, está en las redes sociales.

Riesgos siempre puede haber, pero si tenemos claro lo que es cada cosa, podremos evitar caer en la trampa de las redes sociales como sustituto de la TV y con opción de comentarios, por ejemplo, un uso que le da la mayoría de la gente. Así vemos fenómenos tan peligrosos como el oversharing o la sobre exposición, el compartir más de lo debido, y ese tipo de ruido no es para nada profesional. Si alguien quiere usar las redes sociales con un sentido profesional debe ser muy cuidadoso de lo que dice, de lo que publica, de los comentarios que emite, ya que su imagen lo es todo ante las audiencias y como dice el dicho, más vale ser poco conocido pero respetado, que muy conocido por lo tonto.

Hoy en día hay muchas opciones de redes sociales, donde se pueden compartir contenidos y tener un feedback muy positivo. Pero en mi opinión la mejor es Linkedin, ya que es una red profesional donde se puede aprender mucho de los contactos, cosa que rara vez pasa en Facebook donde el chisme y el oversharing están a la orden del día. Son opiniones muy personales, igualmente FB como herramienta de tráfico orgánico y de pago es increíble, porque hay mucha gente en FB y los niveles de segmentación que ofrece FB no los da ni Google, así que tener una página en FB es muy importante.

La mejor forma de lograr presencia online a nivel mundial, es tener un sitio web propio y bien gestionado, si los contenidos y las obra son buenos, como siempre me decía mi abuelita: lo que brilla con luz propia nada lo puede opacar.

Fidel Gomez

Fidel Gomez

De Fidel Gómez y Arte para la Vida han dicho:

“Felicito tu acercamiento humano al arte y por tu vocación de compartirlo con todos.” -Katherine Chacón / Crítico de arte y curadora

“Sé que es para ti una experiencia importante y satisfactoria y estoy seguro de que cumplirá una valiosa función para nuestro medio.” – Luis Alberto Hernández / Artista Plástico

“Fidel Gómez es un gran profesional que se mueve con soltura tanto en la parte académica como en la práctica en este mundo tan complicado que es el arte contemporáneo”. -José Antonio Hernández Diez / Artista contemporáneo

“Ofreces algo que es una herramienta necesaria para poder, tanto artistas o cualquier otro profesional del medio artístico, saber cómo trabajar o proyectar su trabajo”. -Susana Benko / Crítico de arte, curadora e investigadora

[mmziegler.com]

También puede interesarles: Arturo Michelena en Chicago / Goya, Sorolla y los Sucesos de Mayo de 1808.

 

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4 thoughts on “Fidel Gómez: “El arte tiende puentes de entendimiento”

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